FOTOGRAFÍA Y ARTE CONTEMPORÁNEO: FIGURAS CLAVE
Cómo ya te conté en este otro post, la fotografía ha cambiado mucho desde sus inicios. Poco a poco, se ha incorporado dentro del terreno del arte contemporáneo. Y, dado que es complicado entender este tipo de arte, también es difícil entender la fotografía contemporánea.
Para que puedas entenderlas mejor, en esta entrada reúno algunas de los y las principales artistas de este movimiento para que tengas una serie de referencias de las que partir.
Pero antes de nada…
¿QUÉ ES EL ARTE CONTEMPORÁNEO?
Con toda seguridad, intentar definir que son el arte contemporáneo y la fotografía contemporánea son unas de las preguntas más complicadas que se puede hacer a cualquier artista o historiador del arte.
Casi tanto como preguntarle a un historiador, filósofo o sociólogo que ofrezca una definición sólida de lo que es el posmodernismo. Contexto histórico dentro del que se encuadraría al arte contemporáneo.
Sobre el arte contemporáneo tenemos, eso si, el consenso de que comenzó al rededor de la década de los 70 de forma general y, a la fotografía contemporánea, le situamos sus inicios en los años 80. Para este momento histórico, lo que se había denominado como modernidad entró en crisis, manifestándose en el arte en primer lugar.
Reflejándose en ella la brecha surgida del fin de la bonanza económica, provocada por la crisis del 73, el descontento social, que había tenido su punto culminante en mayo del 68 con una dura derrota para el movimiento estudiantil, las heridas de la Guerra de Vietnam y la popularización a gran escala de la televisión.
Una de las maneras más sencillas de entender el arte contemporáneo es enfrentarlo contra los movimientos artísticos de la modernidad. Es decir, las distintas vanguardias del principio del siglo XX. Unas experiencias artísticas que habían sido auspiciadas por el optimismo y el positivismo racionalista.
Como apunte a vuelapluma sobre esta manera de pensar: hasta la 2ª Guerra Mundial, imperó una manera de pensar en la que primaban el optimismo y la fe ciega en que el progreso, tanto técnico como histórico, era imparable y llevaría a la humanidad a la utopía.
Por esa razón, cada movimiento de vanguardia tenía su manifiesto. En él, los artistas del movimiento esbozaban sus ideas y objetivos. Su visión de como tendría que ser el arte del futuro para el pueblo y contra el arte académico de los períodos previos. Cada una de las distintas vanguardias estaba convencida de hacer el arte que su tiempo demandaba. (Efectivamente, ser artista y tener un ego por las nubes parece ser obligatorio).
Fue en este contexto en el que la fotografía, junto al cine, creció como lenguaje. Aunque a esta se le endosó la idea de ser verdad, limitando así sus posbilidades artísticas por mucho tiempo.
El paso del siglo XX fue poco a poco minando estas ideas. Las 2 Guerras Mundiales, el crack del 29, el fascismo y Auschwitz demostraron que el progreso tenía una cara oscura cuando se dirigía a exterminarse unos a otros. Poco a poco, las vanguardias hicieron avanzar el arte hacia el absurdo: cuadros planos, puntos en un lienzo, manchas de color, ready mades… alejándose de un público masivo que ya no la entendía como arte y que, además, tenía nuevos entretenimientos de masas a su disposición: cine, televisión, radio, fútbol…
Así, para el año 70 se comienza a hablar de arte contermporáneo. El arte del momento actual. Caracterizado por reflexionar más sobre qué es el arte que por procurar transmitir una idea, un concepto o belleza. Como antes era obligatorio.
Los ready made, los objects trouvées y la performance desplazan a la pintura de su puesto como «arte principal».
Los géneros y las disciplinas se difuminan, surgiéndo todo tipo de experiencias y nuevos lenguajes.
Cada autor, desenvuelve su propio lenguaje artístico. En ocasiones, cambiándolo de obra en obra. Lo que obliga al espectador a conocer bien a cada artista para entender su obra.
Se comienza a demandar al espectador que sea co-partícipe de la obra y se llega a la conclusión de que la experiencia artística es individual y personal. Por lo que, una vez expuesta, el creador pierde el control sobre como se entiende su obra.
La posibilidad de crear arte se democratiza.
El arte pasa a ser, en gran parte, conceptual. Es más importante el mensaje que se pretende transmitir que la forma propia de la obra de arte.
Estas son las características principales, y a grandes rasgos, del arte contemporáneo. Dentro de ella, aunque llegó un poquito más tarde, debemos incluir a la fotografía contemporánea. Pero ahora es el momento de que veamos quiénes han esculpido el camino que nos ha hecho llegar hasta aquí.
FIGURAS QUE HAN CONTRIBUÍDO AL NACIMIENTO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO
Se podrían llenar bibliotecas teorizando sobre lo que ha sucedido en el arte y la fotografía en el último siglo y medio. Por desgracia, esto es un simple y pequeño blog. Así que para ordenar un poco todo esto, te voy a mencionar y resumir brevemente una serie de figuras clave que configuraron el arte contemporáneo.
Y lo haré de maera más o menos cronológica.
Charles baudelaire
El autor de Las flores del mal es conocido sobre todo por el mito de artista bohemio del París de su tiempo, cuándo compartía juergas absénticas con otros artistas como el pintor Tolouse-Lautrec.
Más allá de todo ello, y sin que deje de ser cierto, Baudelaire ha sido de los primeros en identificar lo que era ser moderno. Recogiendo sus ideas en una serie de artículos sobre la modernidad que he encontrado en internet aquí. Por eso, muchos recurren a él para iniciar el recorrido de este arte, pues sirve como punto de origen.
Un dato interesante para todos los que somos fotógrafos. El poeta odiaba con toda su alma a la fotografía y fue de los primeros en negarle sus capacidades artísticas.
MARCEL DUCHAMP
Es probable que sin la noción de ready made de Duchamp no se podría explicar todo lo que ocurre en la actualidad con el arte contemporáneo. También es cierto que sus ideas dadá lo llevan a ser muy odiado e incomprendido.
Duchamp rompió la relación qe existía entre el arte y el dominar una técnica o género. Cuestionando todo el edificio artístico que existía. Con él, la obra de arte pasó de hacer a nombrar algo como tal. Desde él, algo es arte cuándo su autor dice que lo es.
Una manera de ver el arte que choca con las convenciones aceptadas y, sobre todo, con la noción de genio. La idea de que el artista es una especie de Dios capaz de crear de la nada.
BERTOLT BRECHT
El teatro político del dramaturgo alemán contribuyó a abrir brechas en otro terreno, el teatro. Su compromiso político y la incorporación del efecto de distanciamiento abrió nuevas vías que tendrían su continuación en las nuevas maneras de hacer teatro de la segunda mitad del siglo XX y, más importante, en la performance.
CLEMENT GREENBERG
El crítico de arte Clement Greenberg es inevitable para comprender el arte moderno. Es conocido por su relación y por contribuir a la figura de Jackson Pollock. Lo que lo convierte en una figura polémica.
Las ideas de su ensayo avant-garde & kitsch definen de genial manera lo posmoderno, lo moderno, arte y Kitsch y es una mención inevitable en cualquier libro que nos intente hablar de creación contemporánea.
Para él, lo que define el arte moderno destaca por su sólida separación entre géneros, disciplinas y la búsqueda del arte pictórico. Para él, la esencia de la pintura sería el lienzo. Lo que justificaría algunas de las obras más incomprendidas del mundo pictórico.
Andy warhol
El odio hacia la figura de Andy Warhol es inmenso. Esto explica que habitualmente se hable más de sus excentricidades que de su influencia capital en el arte contemporáneo, a través del pop-art que ayudó a crear. Abriéndo camino a la aproximación libre hacia cualquier formato artístico: cine, fotografía y ready-made.
Junto a muchos otros, Warhol, creo una nueva visión del artista. Una nueva función que se adapta como un guante al consumismo y la mercantilización de la vida a la que cada día nos hemos vuelto más y más adictos. No en vano, una de sus citas más célebres es aquella de Los buenos negocios son el mejor arte.
A un nivel puramente artístico, Warhol sigue en buena medida los perceptos de Marcel Duchamp de la cual surgen obras como las Brillo Box que han sido ampliamente estudiadas.
También ha sido de los primeros artistas en explorar la producción en serie, a través de su estudio The Factory. Algo tan propio del capitalismo y el consumismo para crear objetos de arte en serie: obras Kitsch como sopas Campbell’s, retratos de Marilyn Monroe.
No es raro, por tanto, encontrar influencia de Warhol en alguno de los artistas más cotizados de la actualidad, como Jeff Koons o Damien Hirtsch, e indundando exposiciones como las siempre polémicas de Arco.
MARINA ABRAMOVICH
Con Abramovich no me voy a entretener demasiado porque tampoco soy un gran conocedor. He de reconocer que todo el asunto de las performances me cuesta. Aunque entiendo su importancia y por eso creo que conviene reservar un hueco para la artista de este tipo más importante y citada.
Lo es porque la performance marca en buena medida las aproximaciones de ciertos fotógrafos que juegan a medio camino entre lo documental y lo ficticio. Así que, os invito a profundizar más en su figura.
nouvelle vague, free cinema, diarios fílmicos
Acercándonos un poco más ya a la fotografía en el hermano en movimiento, encontramos ciertos movimientos fílmicos de la 2ª mitad del siglo XX que abrieron puertas muy similares a las que luego abriría la fotografía contemporánea.
Son los movimientos renovadores del cine posteriores a la II Guerra Mundial. El más conocido es, sin duda, el de la nouvelle vague francesa, que incluyó a personajes como: André Bazin, Jean-Luc Godard, François Trouffaut, Agnes Vardá, Chris Marker… y dónde también anduvo inmiscuido un tal William Klein, como ya te conté en esta otra entrada.
Pero no fue el único, sino que el Alemania y Reino Unido también aparecieron sus dosis de cinema renovador de las formas y, sobre todo, la manera de producir y de utilizar el lenguaje de la cámara en movimiento.
Abriendo caminos que, posteriormente, evolucionaron hacia lo que se conoce como el diario fílmico y que hoy se ha convertido en una herramienta clave de cualquier artista visual, como se etiqueta cada vez más gente.
Los ejemplos más significativos de este tipo de cine, sobre todo en lo referido a fotografía, sean quizá las películas de Chris Marker, a mí me gusta especialmente La Jetee y Sans Soleil. Pero, sin duda alguna, no os podéis perder a Agnes Vardà. Sí, falta Godard, pero es que me cae gordo. Si eres muy pedante, lingüista o estás muy metido en filosofía posestructuralista, quizá si lo encuentres interesante.
FOTÓGRAFAS PARA ENTENDER LA FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA
Y es que la imagen contemporánea está por supuesto marcada por las mujeres. Aunque, evidentemente, algún referente masculino también es esencial. Hoy, la fotografía es más una cosa de mujeres, pues son sus nuevas perspectivas e ideas las que marcan el rumbo en el mundo.
sally mann
Los trabajos sobre la identidad de esta autora son fundamentales. Sus disfraces y sus escenas de películas son importantes porque abrieron caminos, cercanos a la performance, nuevos para la fotografía.
Sally Mann habla de identidad, individualidad y mujeres para hacer una profunda crítica al mundo en que sus obras se hicieron.
DIANE ARBUS
Sus fotografías de freaks y su acceso a documentar unas realidades que, hasta el momento, nadie había accedido a retratar. En su momento sus imágenes fueron un shock enorme, pero su importancia la llevó a la exposición New Documents del MOMA y a ser una referente para un enorme número de otros fotógrafos.
WILLIAM KLEIN
Por supuesto, el recientemente fallecido Klein es el gran fotógrafo de la segunda mitad del siglo XX. Como ya tengo toda una entrada dedicada a él, no vamos a profundizar aquí.
GARRY WINOGRAND
Winogrand es para muchos uno de los más grandes. Sobre todo, por su fotografía de calle. Su importancia de cara a la fotografía es especialmente porque abandona la mirada lejana, fría y documental del fotógrafo anterior: Cartier-Bresson, Capa…
Abriendo así la puerta a la subjetividad en la fotografía y la imagen.
jeff wall
Este artista canadiense quizá no es de los que más se habla habitualmente. Aún así, sus trabajo en lo que muchos han denominado fotoconceptualismo son bastante importantes.
Su forma de trabajar recupera en cierta medida el modo de trabajar del pintor clásico. Sus imágenes son de enormes dimensiones, al igual que los grandes tableaux clásicos.
En este caso, el fotógrafo no toma de la realidad. Cea una realidad y la plasma mediante la cámara. Mezclando así nociones entre teatro, puesta en escena, fotografía y cine…
Un tipo de imagen híbrida y plenamente contemporánea.
BERND & HILLA BECHER
Este matrimonio es el responsable de lo que se conoce como Escuela de Düsseldorf.
Su aproximación a la fotografía documental es diferente es la de muchos otros autores. En este caso, no se centran en la imagen único, si no en series de imagenes. Catalogaciones de un tema que se entiende a través de un elevado número de imágenes sobre un mismo tema.
Imágenes que se caracterízan por un carácter plano y feo, aunque sea su característica más importante. Pues, con un número elevado de imágenes, termina siendo hipnótica.
ED RUSCHA
Este autor, es importante tanto por su profuso uso del fotolibro como entidad plena de sentido en sí misma como por su estética. Ruscha también ha discurrido sobre la seriación temática, con imágenes frías y distantes de un tema.
Así, constituye al igual que la escuela de Düsseldorf que consigue seguir con la precursión de la fotografía Deadpan.
nan goldin
La balada de la dependencia sexual es un punto de influencia en la fotografía documental, incorporando dos cuestiones: subjetividad y realidades invisibles. Abriendo a fotografiar el entorno personal en entornos dónde los travestis y la droga aparecían por primera vez.
La balada de la dependencia sexual es un punto de influencia en la fotografía documental, incorporando dos cuestiones: subjetividad y realidades invisibles. Abriendo a fotografiar el entorno personal en entornos dónde los travestis y la droga aparecían por primera vez.
cristina de middel
La fotógrafa española Cristina de Middel, además de la actual presidenta de Magnum Photos, es una fotografa que me parece esencial de los últimos años. Pues a través de su trabajo, y sobre todo su libro Afronautas ha contribuído a hacer avanzar a la fotografía documental a nuevos terrenos en los que una nueva mirada, plenamente contemporánea, aparece.
Contando ahora desde puntos de vista más subjetivos y particulares. Sin la necesidad de objetividad y permitiendo juegos muy diferentes con el lenguaje fotográfico.
FOTOGRAFÍA CONTEMPORÁNEA, MUCHO POR INVESTIGAR
Como ves, esta entrada no consigue rascar ni mínimamente la superficie de lo que es la nueva fotografía contemporánea. Ni es una temática compleja, ni es un tema al que yo le haya podido dedicar las horas necesarias para poder considerarme un entendido en la materia. Aún así, quería hacer esta entrada. Esperando que te ayude y, también, para ordenar mis ideas e ir dejando constancia de posibles caminos que me puedan acompañar en mis investigaciones futuras.
Por estos motivos, te invito a que te suscribas a la newsletter del blog, para así poder avisarte y contarte cuales son mis descubrimientos en torno a la fotografía contemporánea.
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